尽管 C711 的低频足够深沉、动态十足且音调准确，但在这个价位上，有其他扬声器能下潜更深，并提供更强的动态和质感解析力。但低频并非 C711 的核心价值所在。那些其他扬声器中无处不在的锥盆中音和球顶高音单元，在速度、解析力、透明度方面，根本无法与 Piega 的同轴铝带单元相提并论，而或许最重要的是，后者完全没有几乎所有球顶高音单元都带有的那种坚硬、发脆的特质。在听重放音乐时，我们已经习惯了高音听起来有些机械和金属味，镲片带有一点额外的“咝咝”声，人声齿音令人不悦，小提琴声则被蒙上了一层光泽，削弱了其流畅感和美感。当我在音乐厅时，最能提醒我重放音乐与现场音乐差距的，就是弦乐那种极致流畅、柔和且毫无刺眼眩光的声音。在现场，它们有一种如蛛丝般细腻的质感，这与许多录音通过许多扬声器播放出来的那种钢铁般的声音相去甚远。一部分责任在于录音技术和技巧，但扬声器是主要原因。Piega C711 在很大程度上减轻了重放音乐的这种人工痕迹。例如，在拉赫玛尼诺夫《交响舞曲》第三乐章中段那段浪漫而宏大的弦乐部分，C711 重放出一种华丽感和和谐的准确性，听起来更接近音乐厅的现场效果。同样，爵士小提琴家 Regina Carter 在其专辑《Rhythms of the Heart》中的演奏，也展现出一种温暖而丰富的质感，更强调乐器的腔体共鸣而非琴弦声。（伟大的母带工程师 Doug Sax 曾向我描述他第一次听到数字录音音乐的印象：“那小提琴听起来就像一把电锯！简直是个笑话！”）
尽管我的描述可能暗示 C711 的音色平衡偏暗，或者说它为了追求流畅感而牺牲了低电平细节，但事实恰恰相反。其中高频到中高频部分活泼、开扬、直接，有一种“由内而外散发光芒”的特质，让人对声场及其中的乐器一览无余。（Jonathan Valin 创造了这个极富感染力的表达来形容 Audio Research 电子产品的声音。）我甚至可以说，C711 在中高频方面比大多数扬声器更靠前、更有活力，但它之所以能这样做而没有负面影响，是因为它没有给音乐叠加锥盆中音和球顶高音单元那种带金属声的人工痕迹。其结果是，声音表现既充满活力与生命力，又细节丰富、解析力高，同时又不会因听起来过亮而刺耳。相反，我听到的是解析力与轻松感的精妙结合——在我看来，这正是 Hi-Fi 的“圣杯”。高解析力通常伴随着冷静（监听味）和听觉疲劳的代价；而轻松感则往往以牺牲精细细节和柔化瞬态为代价。有趣的是，当我们说一条线材“亮”时，我们并非指它提升了高频能量（这是不可能的），而是指一种我们感知为高频过量的失真。两款频率响应曲线完全相同的产品，可能会被感知为具有不同量感的高频。这也是为什么早期的 CD 听起来既亮又缺乏空气感和延伸感。同样，由于 Piega 的同轴铝带单元几乎没有带金属声的人工痕迹，它可以在中高频部分听起来既靠前又轻松。
瞬态速度的感知也存在类似情况。锥盆和球顶扬声器常常使瞬态听起来刻画感过强，导致很快产生听觉疲劳。造成疲劳的不是速度本身，而是伴随瞬态的失真。C711 是我在中高频部分听过的速度最快的扬声器之一（另一款是 MartinLogan Neolith），但它听起来从不冷静或过于解析。相反，C711 非凡的瞬态保真度揭示了乐器发声的机理（从而增强了音色的真实感），以及传达音乐家情感表达的微妙动态起伏。例如，听听伟大的 Count Basie 专辑《88 Basie Street》（原始 Pablo 黑胶唱片）中的曲目“Contractor’s Blues”。无与伦比的 Joe Pass 演奏最后一段独奏，一上来就带出极强的摇摆感。鼓手捕捉到了这一点，并在独奏中途通过在军鼓边上轻柔的鼓边敲击，将摇摆的节奏感推向了新的高度。Piega 毫不费力地揭示了这些看似微小的细节，但正是这些细节，区分了一套好的音响和一台能真正营造音乐感的机器。